par Le style victorien correspond à la mode de l’époque du règne de la Reine britannique Victoria. Son règne a duré près de 60 ans, de juin 1837 à janvier 1901, ce qui explique que ce style a évolué et recouvre des réalités diverses. On peut même dire que son style a changé d’année en année.
Un peu d’histoire
L’héritage de la reine Victoria
Le règne de Victoria fut marqué par la révolution industrielle britannique et une impressionnante expansion de l’Empire. L’ère victorienne correspond à de grands bouleversements sociaux, économiques et technologiques. Victoria a largement contribué à l’essor de l’art, l’architecture, les arts décoratifs et la mode qui étaient les principaux moyens de propagation de la culture britannique.
Devenue Impératrice des Indes en 1876, Victoria a promu l’Empire au rang d’une des plus grandes puissances mondiales, donnant son nom à de nombreuses merveilles découvertes autour du monde, comme le lac Victoria en Afrique. En conséquence, son héritage politique, linguistique et culturel est colossal, et toujours d’actualité. C’est grâce à ce titre que le commerce avec les Indes a connu une expansion remarquable, profitant des relations privilégiées pour développer le commerce, des toiles indiennes entre mille denrées exotiques.
Alors que les États-Unis d’Amérique construisaient le pays qu’il allait devenir dans le sang de la guerre de Sécession (1861-1865), l’empire britannique acquérait toujours davantage de puissance et de rayonnement dans de nombreux domaines. Bien que l’Empire perdit ses colonies américaines en 1783 avec la guerre d’indépendance, il connut un siècle de domination sans partage dans le Pacifique, l’Afrique, et l’Asie. L’Égypte, la Chine et l’Inde lui sont entièrement dévouées, mais au prix d’une politique de domination qui finit souvent dans un bain de sang, comme le conflit qui opposa l’Empire aux Afghans en 1841 ou aux Zoulous en 1879.
En 1850, Londres est la plus grande métropole mondiale et un quart du territoire mondial appartient à l’Empire britannique. Au lendemain de l’exposition Universelle de 1851, le musée South Kensington, rebaptisé musée Albert et Victoria en 1899, ouvre ses portes, proposant un regard sur les arts décoratifs et les trésors colonialistes. Dans ce contexte de rayonnement mondial et de progrès scientifiques et culturels, on comprend mieux comment le style victorien a pu naître et engendrer une telle fascination.
Les auteurs romantiques
L’ère victorienne correspond aussi à la naissance du mouvement romantique grâce aux auteurs britanniques qui ont grandement influencé la société de l’époque à travers les valeurs qu’ils on cherché à transmettre. En effet, la mode victorienne reflète une époque, ses préoccupations esthétiques et ses valeurs morales. Elle retranscrit avec son langage les idéaux et thèmes chers à ces auteurs qui ont façonné les mentalités de l’époque. Ils ont puisé leur source d’inspiration dans le fantastique, le rêve, le voyage, le passé.
Ainsi, le goût pour les voyages se lit dans les motifs et coloris des tissus inspirés de l’Orientalisme ambiant. Les principaux héros de fiction sont Frankenstein de Mary Shelley, Alice de Lewis Caroll, Dracula de Bram Stoker, Sherlock Holmes de Conan Doyle, Moby Dick de Melville… mais les plus célèbres auteurs demeurent certainement les soeurs Brontë, Oscar Wilde et Charles Dickens. Dans un même temps, on retrouve une forte influence du puritanisme, ce qui explique la rigueur et la solennité des costumes. Le plus remarquable avec la mode victorienne est la succession de ses nombreuses mutations.
La naissance de l’industrie textile
La machine à coudre
De toutes les innovations qui ont marqué l’ère Victorienne, c’est sans doute l’invention de la machine à coudre qui a le plus pesé sur la naissance d’une industrie textile.
Il faut bien comprendre que l’invention de la machine à coudre a influencé la mode victorienne de diverses façons. D’abord, la mécanisation permet une confection beaucoup plus rapide et le coût de production diminue, mettant parfois en question la place des ouvriers, qui devaient commencer à apprendre l’usage de ces nouvelles machines. Elle s’inscrit parfaitement dans cette période de progrès social et de production massive.
C’est également la naissance du prêt à porter, qui devient nécessaire pour pourvoir aux besoins toujours grandissants des enseignes de grands magasins qui veulent satisfaire les désirs de leurs clientes insatiables. La machine à coudre connaît un usage industriel mais aussi individuel puisque des millions de ménagères peuvent désormais travailler à domicile.
La machine à coudre a permis la création de vêtements demandant des techniques innovantes pour coudre des métrages très importants de tissu. Par exemple, les nombreux ruchés qui ornaient les robes queues d’écrevisse avaient été rendus possibles par l’usage des machines à coudre qui permettaient de froncer des métrages toujours plus grands.
De même, la mécanisation des métiers à dentelle ont permis d’obtenir des pièces de tissu toujours plus grandioses. Ses prix baissent, son usage se répand, parfois même de manière omniprésente. Les éventails, passementeries et châles de dentelles sont fréquemment portés à cette époque, illustrant parfaitement le rôle de l’industrialisation dans la mode.
Les teintures, le coton et le latex
Les textiles connaissent un renouveau, notamment depuis le développement des techniques de teintures naturelles, comme l’indigo, la garance et les autres plantes tinctoriales. Cette industrie s’est très largement répandue au cours des XVII et XVIIIe siècles, grâce à la fabrication des indiennes.
En 1850, la découverte des sels de chrome comme mordant pour fixer la teinture dans les fibres du tissu permet la réalisation de teintures dont les couleurs ne déteignent plus. Les couleurs sont donc plus vives et se décolorent moins à l’usage, donnant naissance à des textiles aux imprimés toujours plus colorés.
En 1856, William Henry Perkin découvre la mauvéine qui a la propriété de teindre la soie et qui a donné naissance à toute une famille de teintures.
Des chimistes mettent au point des teintures synthétiques plus brillantes et résistantes que les naturelles. La garance et l’indigo furent synthétisés respectivement en 1869 et en 1897. Ces molécules synthétiques résistent très bien au lavage.
L’industrie du coton fait vivre et habille une majorité de la population. Plus précisément en Angleterre, la consommation de coton par habitant est multipliée par sept en 50 ans, de 1810 à 1866.
Le commerce des indiennes (les toiles imprimées de motifs floraux colorés, pas les habitantes de l’Inde !) qui n’a cessé de se développer depuis le XVIIème siècle représente une des principales mannes de l’habillement en Europe (grâce aux manufactures anglaises, suisses, allemandes et françaises). Le coton paré de motifs colorés perd de la vitesse avec l’Indépendance des États-Unis, qui produisent la majorité du coton mondial en Louisiane et dans le Mississippi.
Outre le marché européen, les colonies constituent un marché à conquérir, augmentant de ce fait le chiffre d’affaire qui est lié au commerce du coton. Sa production est de moins en moins chère et son prix de vente se démocratise, favorisant son usage dans toutes les couches de la population. On peut même dire que ce sont les profits générés par l’industrie du coton qui ont permis le développement des autres innovations du XIXème comme le train, le charbon et l’acier, d’autant que sa culture requiert un grand nombre de machines, notamment à vapeur.
Les travaux issus de la découverte du latex permettent d’imperméabiliser les tissus, ce qui mène notamment à la conception du Mackintosh en 1824, célèbre imperméable britannique, des bottes en caoutchouc en 1854 et bien-sur des pneus de véhicules, ce qui n’a aucun rapport avec la mode !
Le Royaume-Uni s’approprie cette découverte en 1876 puisqu’il charge l’explorateur Henry Wickham de créer les premières plantations d’hévéas dans les colonies britanniques d’Asie, notamment à Ceylan, pour obtenir un latex qui concurrence la production du Brésil.
La robe victorienne 1840 – 1850 – 1860 – 1870 – 1880
1. La Silhouette féminine
On peut dire que la mode de la seconde moitié du XIXe siècle illustre la magnitude de l’Impératrice Victoria : plus elle gagne en importance, plus la taille de ses manches et de ses jupes deviennent démesurées. C’est la deuxième fois dans l’histoire de la mode que l’influence anglaise s’oppose à la mode française, par son austérité néanmoins ostentatoire.
Cet oxymore prend tout son sens lorsqu’on compare les deux modes dominantes. En effet, comme au XVIIIe siècle avec l’opposition de la robe à l’anglaise et de la robe à la française, on observe une différence notable de la conception de l’élégance au XIXe siècle, opposant la mode Victorienne à la mode Empire. Ce sont deux grands exemples de l’influence d’une culture sur la mode d’une époque.
Sissi, de son vrai nom Élisabeth de Witelsbach, est l’une des figures les plus importantes de cette période. En effet, son destin romanesque d’Impératrice d’Autriche et de reine de Hongrie a inspiré de nombreux films. On peut clairement dire que son style vestimentaire s’inspire principalement de la mode victorienne. On retrouve toutes les caractéristiques du costume dans une version royale inspirée directement des tenues époustouflantes de Victoria. Ce tableau du portraitiste de cour Winterhalter ne saurait prêter à confusion.
1840-1860 : la silhouette sablier et l’âge d’or de la crinoline
Dès 1840, les jupes étaient coupées en forme, c’est-à-dire avec peu de fronces à la taille et très évasées à l’ourlet, rappelant la forme d’une cloche. Les bustiers étaient légèrement plus longs que la taille normale et se terminaient en pointe. Les épaules étaient souvent découvertes, pour accentuer la forme de triangle du bustier. La silhouette, large aux épaules, fine à la taille et large à l’ourlet illustre à merveille la bien-nommée silhouette en sablier de l’époque, mise en valeur par le corset qui affine de plus en plus la taille.
Les corsages étaient très décolletés, libérant la courbe de l’épaule et de la nuque, ce qui caractérise le mieux la silhouette romantique. La couture de l’emmanchure étant très basse, cela forçait les femmes à se tenir les bras le long du corps, donnant une stature très distinguée. Les épaules étaient très souvent recouvertes de passementeries, mettant en valeur cette courbe de l’épaule si gracieuse et caractéristique. Les manches pagodes étaient souvent bordées de nombreux volants rappelant les jupes à étages assorties. Les manches étaient plutôt bouffantes pour le soir mais très serrées pour les robes de jour.
Les sous-vêtements se composaient d’un corset et de plusieurs couches de jupons à volants. Les jupons étaient faits en crin, parfois soutenu par un rembourrage supplémentaire.
Les femmes portaient la capote, une coiffe souvent ornée de fleurs qui s’adaptait au reste de la tenue.
Les années 1850 correspondent à l’apogée de la jupe à volants. Elles deviennent très populaires avec des modèles toujours plus ostentatoires. Les tissus utilisés pour confectionner ces robes sont conçus spécialement, souvent avec des coloris unis mettant en valeur le travail de flocage, de freppes ou d’accumulations de galons… Les ampleurs des jupes et des manches s’élargissent. Les jupes sont portées sur un nombre toujours croissant de jupons de crin superposés, encourageant les critiques et caricatures pour décrire ces femmes prisonnières de leur apparence. Les décolletés deviennent de plus en plus profonds, ce qui force les femmes à porter un corsage de gaze ou de coton sous le bustier, pour cacher la naissance des seins. Les corsages anglais étaient souvent recouverts de nombreux plis, masquant l’anatomie mais produisant un effet très décoratif, comme la robe à plis de Mina dans Dracula.
Et le plus remarquable est de penser que ces robes étaient vendues en kit, c’est à dire mi-confectionnées, laissant le soin aux dames de poser les volants selon leur goût en suivant une proposition de coupe sous la forme d’une figurine. Si vous voulez retrouver cette anecdote et bien d’autres, je vous invite à lire le livre Sous l’Empire des Crinolines dont vous pouvez lire ma chronique.
La robe de 1850 était souvent transformable ou présentait deux bustiers, l’un pour le jour et l’autre pour le soir, plus largement décolletés et laissant les épaules dénudées. Un châle et des gants recouvrant l’avant-bras jusqu’au-dessus du coude complétaient alors la tenue.
En 1856, la crinoline cage remplace définitivement les jupons, qui étaient devenus si nombreux qu’ils ne soutenaient plus assez les nombreux et lourds drapés. Cette nouvelle structure permit de créer des jupes encore plus larges en soutenant des poids de tissus encore plus importants. Le bustier se transforme également. Il est souvent prolongé par une basque et ses manches pagodes sont froncées à la tête de manche et très larges au niveau du poignet.
Il est intéressant de constater que seules les femmes de la haute société continuaient à porter des superpositions de jupons car le tissu coutait très cher, alors que les femmes de condition plus modeste « trichaient » grâce à la portance des crinolines d’acier. Au début de son apparition, les riches niaient son usage mais finirent par l’accepter vers 1860.
Les années 1860 virent les jupes s’aplatir sur le devant et s’arrondir dans le dos. Les manches pagodes et les cols hauts agrémentés de dentelle frivole étaient de rigueur la journée. Les robes du soir, profondément décolletées et dotées de manches courtes, étaient portées avec des gants courts ou des mitaines en crochet.
1864 voit l’apparition de la robe péplum, inspirée des tuniques de l’Antiquité, sa crinoline est invisible au niveau de la taille mais pouvait atteindre 8 à 10 mètres à l’ourlet. Elle doit surtout son nom au chignon à la grecque et aux bijoux inspirés de l’Antiquité avec lesquelles elle est portée.
Les tissus unis remplacent peu à peu les motifs en vogue, donnant lieu à des jeux savants de passementeries : rubans, dentelles, franges, guipures, nœuds, ruchés de gaze et ganses de velours recouvrent les vêtements des femmes du monde.
Dans les années 1860, le bustier devient de plus en plus court pour n’atteindre parfois que 10 cm. Le boléro issu de la mode espagnole est très à la mode. Il est souvent très ajusté et porté sur un corsage Garibaldi aux manches très amples.
Le devant et les côtés de la jupe deviennent de moins en moins froncés, mais de plus en plus larges à l’ourlet. L’apogée de ce style pourrait être celui que nous avons pu admirer dans le film Autant en Emporte le Vent. En effet, la période de la guerre civile américaine correspond avec l’apogée de cette mode construite autour de la crinoline.
En 1865 les jupes commencent à perdre du volume et des fronces pour donner des modèles de forme coniques composés de panneaux triangulaires. Sous la crinoline, les femmes pouvaient porter un jupon de cachemire pour avoir chaud. Par-dessus la crinoline, elles portaient tout de même au moins deux jupons, l’un très raide et l’autre léger et très froncé pour donner de la tenue au tissu de la jupe.
Les accessoires essentiels sont le foulard, la longue ceinture style turban et les bottines vernies. Les chapeaux remplacent les capotes et les bijoux prennent une importance grandissante. Vers 1865, la mode est aux rayures et aux coiffures dite à l’antique constituées d’une tresse en diadème sur le devant et d’un chignon derrière.
Les robes étaient coupées dans une seule pièce de tissu, remplaçant les vestes à basque et jupes séparées de 1850. Les manches devinrent de plus en plus volumineuses et aboutissent aux manches gigot surdimensionnées de 1895 avant de désemplir un peu. Les chapeaux redeviennent petits, ils sont surtout garnis de fleurs, de rubans ou de voiles et se portent penchés sur le devant. Les manteaux étaient amples et longs ou bien au contraire très ajustés. L’ombrelle reste un accessoire indispensable en été, même si sa taille se réduit.
A cette époque, les formes des crinolines deviennent elliptiques, c’est-à dire plus plates devant et dans le dos et plus prononcées sur les côtés. La rigueur due à la situation de la guerre civile américaine s’est ressentie dans la mode anglo-saxonne car les panneaux de tissu devinrent de moins en moins froncés et décorés. C’est aussi à cette époque que naquit la célèbre découpe princesse, les robes ne sont plus alors composées d’un bustier et d’une jupe séparés mais d’une seule et même pièce de tissu.
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1870-1890 : la silhouette en S et l’apparition de la tournure
À partir des années 1870, les robes d’intérieur perdirent leur corset pour les occasions informelles et la tournure remplaça la crinoline, d’abord sous la forme d’un pouf drapé rappelant les polonaises du XVIIe siècle. Les surjupes étant très à la mode, si un modèle de robe n’en disposait pas, elle pouvait être simulée à l’aide de galons et de passementeries et soulignée par une ceinture ou un nœud. La surjupe a peu à peu évolué sous la forme d’une basque attachée au bustier.
C’est la conception de la mode qui change avec ces nouvelles formes. Les silhouettes longilignes remplacent les cloches : la verticalité des coupes et des décorations s’impose remplaçant les formes circulaires et horizontales de la silhouette à crinoline pour mettre en valeur les fesses et les jambes dans un climat de scandale. D’ailleurs des liens sous la jupe permettaient au tissu de rester collé aux jambes sur le devant et laissant le dos de la jupe et la traine libres de flotter.
En 1869, la crinoline tend à être remplacée par la tournure, sous l’influence de Worth. Le volume des jupes était alors très plat devant et très volumineux dans le dos, engoncé par des superpositions de ruchés et de passementeries. La plupart des robes avaient une large traine, qui finira en apothéose sous le nom de queue d’écrevisse. On insérait souvent des volants sous les jupons destinés à retenir la poussière, non pas pour faire le ménage mais justement pour éviter de salir directement le tissu de la robe.
Vers 1870, la silhouette s’affine : les chapeaux se font plus petits, perchés au-dessus du front et orientés vers l’avant. Les coiffures deviennent plus complexes et des postiches frisés viennent ajouter du volume aux cheveux naturels.
En 1873, les bustiers devinrent de plus en plus longs. C’est l’âge d’or de la décoration, recouvrant parfois totalement la jupe pour le meilleur effet. Les poignets étaient souvent soulignés de galons, allant parfois jusqu’au coude.
Vers 1877 le faux-cul a perdu de l’ampleur, se résumant parfois à un simple rembourrage. Les bustiers se rallongent et le drapé des jupes se prolonge jusqu’en dessous du genou. Les coloris et les matières étaient souvent mélangés dans des drapes compliqués, mettant l’accent sur la traine des jupes et formant des motifs plus simples sur les bustiers. La tendance est aux jupes asymétriques, les traines sont lourdement décorées mais de manière plus abondante d’un côté que de l’autre.
La surjupe disparait sous les nombreux drapés qui ornent la jupe. Les décorations servent aussi à cacher les raccords de couture qui lient les différentes jupes ensembles. Les décolletés sont plus hauts sur les épaules. Chaque année la jupe devient plus étroite et le bustier plus long.
En 1879 la jupe est resserrée jusqu’aux genoux et s’élargit en éventail en une traine majestueuse. Les jupons étaient nécessaires pour maintenir la traine dans une forme harmonieuse.
En 1880 les jupes sont très étroites et longilignes mais la traine tend à disparaître. Les corsages se ferment en biais. La ligne d’encolure pour les robes du jour est de plus en plus austère, les bustiers sont de moins en moins décolletés et portés sur une chemise pour cacher l’éventuel bout de peau qui dépasserait. L’encolure se finit souvent par un col droit montant donnant l’allure d’une veste, même pour les robes du soir. C’est la mode Belle Époque qui fait son apparition.
Les chapeaux gagnent en extravagance à mesure que passent les tenues de la journée pour terminer en capeline aux bords très larges ornée de plumes ou de rubans et un panache en soirée. Les gants qui se portent toute la journée sont simples et montant sur la manche, souvent rehaussés d’un bracelet.
La montre est l’accessoire de la décennie, elle se trouve partout sur les bracelets, au bout d’une chaîne, sur le manche des parapluies, etc. Le bracelet et le collier de velours ou de rubans assortis sont les accessoires essentiels ; les colliers de ce genre s’appellent tour de cou.
En 1883 la tournure revient, toujours plate sur le devant mais de plus en plus rebondie dans le dos. Les robes du soir sont toujours sans manches mais l’emmanchure est maintenant sur la ligne naturelle de l’épaule. Les draperies des robes ne sont plus concentrées sur la traine mais réunies sur la tournure, au niveau des fesses. C’est l’apogée du drapé. Les rares espaces plats sont remplis de galons, mais ils sont de plus en plus rares.
Devant le fort essor de la bicyclette, d’autres éléments du costume apparaissent : la culotte courte et froncée aux genoux, elle se porte avec des jambières ou des bas et un corsage cintré à encolure dégagée et manches bouffantes. Il est possible d’ajouter une jupe courte sur la culotte voire une jupe-pantalon. Le tout assorti d’une veste-jaquette flottante à larges revers portée avec ou sans cravate bouffante ce qui préfigure déjà le tailleur.
Le Corset Victorien
Les corsets connurent un changement radical : d’abord, les bretelles disparurent, et surtout, leur construction en bandes verticales permit une vraie réduction du tour de taille, renforcé par le baleinage métallique (et non plus, ou rarement, en fanons de baleines), et des œillets métalliques (et non plus brodés main, plus fragiles). Le corset devient aussi plus pratique à enfiler grâce à l’invention du busc métallique à crochets, qui permet aux femmes de se vêtir seules.
Vers 1860, le corset est très court, à la fois bas sur la poitrine (il couvre à peine les mamelons, et le sein se porte bas) et sur les hanches. Le corset 1860 décrit une forme de “vasque” caractéristique de cette époque.
Vers 1882, le corset s’allonge. On utilise beaucoup de « goussets » (pièces triangulaires) pour la poitrine et les hanches. Les goussets sont souvent renforcés par un cordage qui ajoute une effet décoratif à sa fonction de contention. Parfois les goussets sont coupés dans des pièces d’élastique, matériau nouveau issus du caoutchouc. C’est la forme caractéristique du corset victorien.
Le buste s’allonge encore. C’est l’âge d’or du « busc cuillère », non plus droit mais arrondis comme le ventre. La couleur apparaît. Ce sont les corsets de cette période (la seconde moitié du XIXe siècle) qui se sont le plus imprégnés dans l’imaginaire collectif et viennent immédiatement à l’esprit quand on parle de corset – bien que ceux-ci aient pu prendre des formes très différentes à d’autres époques. Ils ont la fameuse forme «en sablier».
La mode masculine
De la redingote au smoking
Pendant les années 1840, les hommes portaient des redingotes étroites tombant à mi-mollet et des gilets à une ou trois rangées de boutons, se terminant souvent par deux pointes au niveau de la taille. Le mot est en fait la francisation de l’anglais « riding coat » ou « raining coat » (littéralement manteau pour monter à cheval ou manteau de pluie).
Pour les occasions plus formelles, un frac accompagnait un pantalon léger en journée; le soir, la queue-de-pie était de rigueur. Les chemises, à col bas, étaient faites de lin ou de coton. Comme la queue de pie, le frac se termine par des basques en pointe mais n’est pas court devant. C’est cette version qui a été très souvent utilisée par les gentlemen et dandys du XIXe siècle comme vêtement moins formel. Il était au départ un vêtement dédié aux loisirs, notamment à l’équitation. Le frac désigne également l’ensemble trois pièces composé d’une veste queue-de-pie, du pantalon et du gilet.
Les vêtements passent d’une mode ajustée à une mode flottante, présentée comme de la négligence dans la presse. Les vestes étaient à grandes basques et à larges revers, le gilet élégant et brodé. Le pantalon se portait ample et couvrant les trois-quarts du pied. Les souliers se portaient indifféremment avec ou sans guêtres.
Une large cravate ou un foulard ainsi qu’un haut-de-forme étaient les principaux accessoires indispensables qui complétaient l’ensemble, mais d’autres accessoires sont caractéristiques de cette période parmi lesquels : lorgnon, binocle, canne, montre à gousset, boutons travaillés…
À partir de 1850, les hommes commencèrent à porter des chemises à cols hauts agrémentées de cravates nouées en nœud papillon. Les classes supérieures conservèrent leurs hauts-de-forme tandis que les classes moyennes adoptèrent le chapeau melon. La veste avait une coupe large et se portait avec une cravate blanche cachant jusqu’au col de la chemise. Le gilet était droit et discrètement orné aux boutons. Le pantalon peu large tombait droit sur une botte vernie. Le tout porté sous un petit manteau à larges manches ou une redingote courte.
La décennie suivante vit l’apparition de cravates larges nouées lâchement et retenues par une épingle. Les redingotes raccourcirent aux genoux et une veste à mi-cuisse les remplaça pour les occasions peu formelles. La personnalité la plus emblématique du style est sûrement Lincoln, dont le haut-de-forme est aujourd’hui si célèbre.
Au cours des années 1870, le costume trois-pièces se généralisa et le plastron fit son apparition. Fracs et vestes raccourcirent et le blazer se propagea comme tenue sportive et informelle. Le blazer devrait son origine à une inspection du navire HMS Blazer par la reine Victoria. Ces vestes auraient été spécialement créées pour sa venue et l’uniforme lui ayant plu, il fut reproduit sur d’autres navires. La tenue resta sobre mais gagna en ampleur. En ce qui concerne les accessoires, la cravate laisse place au nœud papillon mais le haut-de-forme est toujours de rigueur.
Pendant toute la période, les hommes portaient les cheveux courts et, souvent, la moustache, la barbe et des rouflaquettes. Les visages rasés ne réapparurent qu’à la fin des années 1880. Chez les hommes, c’est l’apparition du smoking (1886) qui révolutionna la mode tout en gardant un côté sobre voir strict au costume. Le smoking doit son nom à son usage initial de veste pratique dans les fumoirs. En effet, l’absence de basque (ou queue-de-pie) évitait les risques d’incendie et était plus appropriée pour s’asseoir aux tables de jeu. Son usage comme habit de soirée ne date elle que de la Seconde guerre mondiale. Son invention reviendrait aux tailleurs britanniques Henry Poole & Co pour Edward VII en 1860, mais c’est l’américain James Potter (il s’agit juste d’un homonyme du papa de Harry !) qui le popularisa en le portant au Tuxedo Park Country Club en 1886.
Comme souvent dans l’Histoire du costume, le vestiaire féminin évolue plus fréquemment et rapidement que celui des hommes. Leurs tenues sont le fruit d’une quête de beauté, d’élégance, de désirs à assouvir, alors que les hommes cherchent le fonctionnel. Il exprime une position sociale plutôt qu’une humeur personnelle. Les évolutions du costume masculin s’adaptent aux mutations sociales et culturelles. Si vous voulez en savoir plus à ce sujet, je vous invite à lire mon article sur la mode masculine à la Belle Époque.
L’époque victorienne aujourd’hui
1. Au cinéma
De nombreux films se déroulent lors de cette période à l’histoire riche et à l’imagination foisonnante. Je vous invite à découvrir Victoria, les jeunes années (2009, avec Emily Blunt) ou dans le cinéma classique, la série Sissi (1955-1957 avec la sublime Romy Schneider) illustre l’histoire austro-hongroise alors que Autant en Emporte le Vent (1939 avec Vivien Leigh et Clark Gable) illustre la face américaine de la période avec la guerre de Sécession.
Dans un registre plus sombre vous pouvez découvrir les aventures d’Oliver Twist dans le Londres populaire. Il en existe de nombreuses adaptations dont celle de Polanski en 2005.
2. Le Steampunk
La fascination pour l’époque victorienne : ses innovations technologiques, sa culture et ses modes ont donné naissance au mouvement steampunk (littéralement punk à vapeur) au XXème siècle. A l’origine, cela consiste à combiner l’atmosphère industrielle du XIXème et une intrigue uchronique, le tout formant un mélange rétrofuturiste inédit. Comme ce mouvement littéraire a connu un grand succès dans les années 1980, il s’est vite étendu à d’autres formes : cinéma (Steamboy), jeux vidéos (Fallout, Bioshock…), jeux de rôle etc.
Mais aujourd’hui il peut recouvrir de nombreuses formes dès l’instant qu’il y a un décalage entre deux époques, quelles qu’elles soient (par exemple La Cité des Enfants perdus qui mélange l’époque contemporaine et une technologie rétrofuturiste).
